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Ippazio Nutricati - Artista - Sus obras

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Provocador y sin ningún tipo de filtro comunicativo: Blu es un artista que ha sabido revolucionar el mundo del arte urbano, desde finales de los 90 hasta la actualidad. Nadie sabe su nombre real y de dónde viene, pero lo cierto es que sus paredes son una mezcla de surrealismo, arte pop y película de ciencia ficción. Blu fue reportado en 2011 por The Guardian entre los 10 mejores artistas callejeros alrededor, convirtiéndose de hecho en uno de los artistas urbanos más influyentes del mundo.

Comenzó como escritor en Bolonia utilizando latas de aerosol, pero a lo largo de los años su técnica ha ido evolucionando utilizando pinturas y luego también animaciones digitales. Sus muros suelen ser de un tamaño enorme y son un verdadero shock para los espectadores que se encuentran inmersos en humanoides y figuras enigmáticas, jugando también con el efecto "multitud".

Lo que definitivamente queremos decirte es que el paredes de Blu se pueden definir simplemente como locos y en este artículo no queremos contarte solo sobre él y su evolución artística, sino también ¡Dónde encontrar 10 obras de Blu en Italia y en el extranjero!


La delgada línea de sombra

Premisa: Egon Schiele es un artista que amo, y mucho. Sé que a menudo se lo juzga excesivo y crudo en sus actuaciones, o al borde del escándalo, pero encuentro que ver sus pinturas y dibujos en vivo es algo inolvidable y emocionante.

De hecho, el mío es un interés que no nació de los libros sino de la vida, para ser precisos. Museo Leopold de Viena, un verdadero santuario dedicado a este extraordinario artista, lleno de obras y esclarecedoras explicaciones. En los últimos años he estado dos veces y me he llenado de libros, por eso hoy me gustaría contaros algo y sobre todo intentar transmitir un poco de todo este amor, procediendo en orden y recogiendo los diversos pensamientos que tengo. dedicado a Schiele en puestos antiguos.

Breve biografía: ¿quién fue Egon Schiele?

Egon Schiele, Autorretrato con physalis, 1912

Egon Schiele nació cerca de Viena en 1890 (inicio convencional de la temporada fin du siècle), tiene una familia muy normal y no saca buenas notas en la escuela, por decirlo suavemente. En pocos años ocurren los dos primeros factores extraordinarios que le preocupan: por un lado, la muerte de su padre cuando apenas tiene 14 años, hecho que socavará su personalidad adolescente, y por otro, la increíble capacidad que le permite. él para ser admitido en la Academia de Bellas Artes de Viena a la edad de 16 años.

A partir de aquí comienzan los altibajos: la aprobación de maestros del calibre de Otto Wagner y Gustav Klimt, y al mismo tiempo las críticas de los profesores universitarios, que no están preparados para tal innovación. En los últimos años Schiele es un niño insatisfecho e incomprendido, que no aprecia la academia y busca inspiración fuera, entre los ecos del Art Nouveau y los colores del Expresionismo. Así, en 1909 dejó la escuela y se dedicó a exponer y crear utilizando a niñas y niños como modelos.

Por fin surgen lenguajes y temas característicos: una angustia existencial a lo largo del siglo XX junto a un afán de introspección, ciertamente ligado a temas muy modernos como el psicoanálisis, que son los protagonistas de sus obras. Sin embargo, su fama aún está lejos, de hecho en 1912 incluso fue encarcelado por haber seducido a una menor y producir arte pornográfico.

Entre 1913 y 1914 finalmente se siente un cambio notable: Egon Schiele también está destinado a cruzar el línea de sombra, que para él adquiere los rasgos del éxito y el amor finalmente adulto y sin tinieblas, lo que le lleva al matrimonio con Edith Harms. Se inicia así una nueva etapa de pintura más consciente y equilibrada, que le convierte en la figura más destacada del panorama vienés del momento..

Ahora bien, es inútil preguntarse a qué alturas podría llevar este nuevo rumbo, qué influencias podría crear Egon Schiele a lo largo de los años, porque en 1918 murió de gripe española, tres días después que su esposa, embarazada de seis meses.

Intensidad y modernidad, las características de Egon Schiele

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¿Por qué se incluye a Egon Schiele en los libros de historia de arte, a pesar de su prematura muerte y la apreciación fluctuante que disfruta?

Para empezar, su trazo fantástico, las líneas seguras y precisas que construyen sus diseños sin vacilaciones, manchas o necesidades correctivas. ¿Has visto alguna vez de cerca una de sus obras? Solo mirando de cerca se puede comprender la sensación de perfección que se transpira, como si el lápiz fuera guiado por un espíritu imparable de belleza y armonía.

Sin embargo, la técnica no es suficiente para hacer grande a un artista, al fin y al cabo, ¿cuántas personas hay que dibujan muy bien pero no logran transmitir? Lo que, al menos a mis ojos, es un elemento esencial es Intensidad, entendida como la capacidad de transmitir al observador desprevenido todo el bagaje emocional que se esconde detrás de cada tema, desde el más elaborado hasta el más banal.. En este sentido, Egon Schiele es un maestro, cuando logra hacer hablar hasta los árboles esqueléticos, o los edificios cansados ​​y aburridos, apoyados unos contra otros, de los pueblos austriacos.

Finalmente, otra gran característica es la extrema modernidad de sus obras, que encajan perfectamente en el debate cultural de la época y al mismo tiempo no son absorbidas, por el contrario, se convierten en su interpretación muy personal. Elementos cubistas, expresionistas, art nouveau y simbolistas, por ejemplo, son reconocidos en las obras de este artista, pero esto no significa que los sujetos sean menos reconocibles, menos vinculados a su creador.

La grandeza de maestros como Egon Schiele es precisamente la capacidad de no quedarse enredados en las etiquetas, sino de seguir investigando, de expresar sus ideas, sin acabar pareciéndose a nadie, pero al mismo tiempo sin perder el vínculo con el contexto en el que inevitablemente van a insertar.

Obras de Schiele: paisajes y retratos

Egon Schiele, Cuatro árboles

Sin ir más lejos, ha llegado el momento de compartir con ustedes una pequeña galería de obras que pueden explicar la personalidad y grandeza de Egon Schiele mucho mejor que mis palabras.

Los paisajes

Debo confesar que siempre encuentro hermosos los paisajes pintados por este artista, aunque a menudo quedan en un segundo plano en los textos que describen su producción. Precisamente por eso, decidí darles un espacio en la galería que propongo a continuación.


Obras Angelo Accardi: fuera de lugar (con Struzzi)

Uno de los temas más famosos y reconocibles de la pintor Accardi es el de los avestruces.

El artista ubica a estos animales en ambientes que nada tienen que ver con su hábitat natural. Los coloca en salas, museos e incluso en las calles de las ciudades.

La presencia de animales en ambientes poco comunes crea un efecto alienante inicial que inevitablemente empuja al espectador a preguntarse por qué el artista ha decidido colocar un animal en un lugar que no le pertenece.

Es precisamente aquí donde reside el corazón de las obras de Accardi: representar el Fuera de lugar, o más bien los extraviados. Al hacerlo, el artista toma este término literalmente y lo retrata insertando un objeto extraño en un entorno cotidiano.

En las obras de Angelo Accardi fuera de lugar el artista elimina por completo la presencia de la figura humana que, sin embargo, está involucrada, aunque sea de forma indirecta.

Reemplazando a los humanos con Avestruces, Accardi Angelo quiere criticar al hombre en un doble nivel.

El primero está relacionado con el mundo del arte. En las obras en las que se representan avestruces en espacios interiores (como casas y museos), en las paredes de las habitaciones Angelo Accardi propone obras de otros artistas contemporáneos como Damien Hirst, Keith Haring, es Tomoko Nagao, sino también artistas del Renacimiento.

Frente a estas obras maestras, las avestruces se detienen casi encantadas para admirarlas y muchas veces interactúan con las obras tocándolas con el pico y convirtiéndose así en parte activa de la pintura.

Contrario a lo esperado, los avestruces parecen encajar completamente en estos contextos. De ahí la crítica sutil pero eficaz de Accardi a la incapacidad de muchos hombres para interactuar con el arte, que en cambio logra perfectamente en animales no particularmente inteligentes como los avestruces.

El segundo nivel en el que la crítica de Pintor accardi se refiere a la vida diaria. Cuando el artista coloca los avestruces en las calles de la ciudad, el primer efecto es el de ambigüedad.

Sin embargo, cuanto más miras la obra, más normal parece la presencia de animales deambulando por la ciudad. En este caso, Angelo Accardi quiere ser amargamente irónico sobre la facilidad con la que el hombre puede ser reemplazado en entornos que siempre le han pertenecido.


Las obras más famosas de Lichtenstein

Si se está preguntando, ¿cuáles son algunos de sus obras más famosas, ya hemos mencionado muchas en el párrafo anterior, pero a continuación hacemos una lista resumida:

  • Obra maestra de 1962
  • ¡Whaam! de 1963
  • Chica ahogándose de 1963
  • Niña llorando de 1963
  • En el coche de 1963
  • Sin esperanza de 1963
  • Chica en el espejo 1964
  • M-Quizás 1965
  • Niña con cinta para el pelo de 1965
  • Pinceladas de 1965

Roy Lichtenstein era un artista muy activo y su producción de obras ha alcanzado números casi incalculables. Hasta 2018 su obra estuvo protegida y potenciada por la Fundación Roy Lichtenstein, pero desde ese año la fundación ha cerrado oficialmente, donando más de 400 obras al Museo Whitney y al Smithsonian.


Stanisław Szukalski

Stanisław Szukalski (Warta, 13 de diciembre de 1893 - Burbank, 19 de mayo de 1987) fue un pintor y escultor estadounidense naturalizado polaco. En su vida intentó crear un nuevo arte polaco basado en su visión de la historia y la mitología. A pesar de sus extravagantes teorías, Szukalski fue un escultor asombroso, capaz de dar forma al material dándole una tensión y patetismo sorprendentes, logrando visualizar mentalmente cada detalle de sus obras sin el uso de modelos de partida, que siempre rechazó incluso desde académicos. veces. El arte de Szukalski exhibe influencias de culturas como la egipcia, eslava y azteca, combinadas con elementos del art nouveau, de las diversas corrientes del modernismo europeo de principios del siglo XX: cubismo, expresionismo, futurismo y arte precolombino. Esta mezcla única se conoció como "Clasicismo retorcido". [1]

En la década de 1920 fue aclamado como el "mejor artista vivo" de Polonia. Gran parte de su trabajo fue destruido debido a la devastación de las fuerzas nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Incapaz de regresar a Polonia, continuó trabajando a pesar de la pobreza y la relativa oscuridad. Sus obras se encuentran en exhibición permanente en el Museo Polaco de América en Chicago y en el Museo Nacional de Varsovia. Entre los admiradores de Skukalski se encuentran Leonardo DiCaprio, la banda Tool, y el famoso escritor Ben Hecht, quien conoció a Szukalski en la década de 1920, describiendo al polaco en su autobiografía como "hambriento, musculoso, aristocrático y desdeñoso con los seres menos que él", características que Szukalski mantuvo. Por el resto de su vida ". [2]

Szukalski nació en Warta, Polonia, pero creció en un pequeño pueblo cercano llamado Gidle. Su padre, Dyonizy Szukalski, era herrero y llegó a Nueva York antes que sus hijos y su esposa para trabajar. Poco después, Szukalski, su madre Konstancja y su hermana Alfreda aterrizaron en los Estados Unidos el 27 de junio de 1907 para reunirse con su padre en Chicago. Demostrando una marcada aptitud para la escultura, el artista se matriculó en el Art Institute of Chicago, entonces con 13 años. Poco después, el escultor Antoni Popiel convenció a los padres de Szukalki para que lo enviaran a Cracovia a estudiar en la Academia de Bellas Artes. Durante tres años, Szukalski estudió escultura con el apoyo de Konstanty Laszczka, en 1913 regresó a Chicago. [2] [3]

Aún muy joven, Szukalski se unió a la escena artística de Chicago, siendo parte del movimiento de resurgimiento del arte llamado Chicago Renaissance. Un año después de su regreso, en 1914, el artista exhibió siete de sus obras en la Exposición Anual de Pinturas al Óleo y Esculturas Estadounidenses en el Art Institute. El artista también expuso individualmente en el Art Institute en los años 1916 y 1917, también en el Progress Arts Club en 1919. [4]

Se propuso construir un monumento al héroe polaco Adam Mickiewicz en la ciudad de Vilnius. En 1925, se publicó un gran concurso para la elección del diseño. Entre los 67 participantes, Szukalski ganó primero con un dibujo de Mickiewicz recostado sobre un altar de sacrificios desnudo, junto a un águila blanca que se decía que había bebido por la herida del poeta. A pesar de ser aclamado por buena parte de la inteligencia, hubo un fuerte rechazo de los demás, lo que llevó a la decisión de una nueva competencia, esta vez con la elección del diseño de Henryk Kuna. Inicialmente con problemas económicos y después de la Segunda Guerra Mundial, el monumento nunca se construyó. [4]

En 1925 el joven Szukalski participó en el Salon International des Arts Modernes et Décoratifs de París representando a Polonia, aunque fue premiado repetidamente, la crítica no perdonó al artista acusado de representar a un país en el que ya no vivía. Viaja por Europa desde 1926 hasta 1928, regresando a Cracovia en 1929 con una exposición retrospectiva, en el mismo año el artista publica sus publicaciones en la revista Projects in Design: Sculpture and Architecture. Fundó, junto con otros artistas, un movimiento artístico llamado Szczep Rogate Serce cuyo propósito era recurrir a la historia precristiana y pagana en busca de inspiración. [4]

En 1936, Szukalski regresó a Polonia, casada con la profesora Joan Lee Donovan. Su importancia fue tal que obtuvo el apoyo económico del Ministro de Hacienda, además se le dotó de un gran estudio, el Museo Nacional Szukalski. En ese momento, Szukalski fue considerado y condecorado como el mejor artista vivo de Polonia. El artista ha traído casi todas sus esculturas de Estados Unidos y su museo ha sido apreciado a menudo por la población y también por la categoría artística. [4]

Szukalski llevó todas sus obras a su museo nacional. Sin embargo, en 1939 y Polonia bajo el asedio de Varsovia, la guerra cambiaría su vida y Europa para siempre. Vale la pena señalar que durante muchos años Szukalski luchó contra la pobreza, el rechazo y los problemas de salud, pero en los años venideros el artista disfrutó de su gloria, el reconocimiento de su talento. En un instante, en una explosión de dolor, la guerra se hizo más fuerte. Innumerables personas murieron y resultaron heridas, incluido Szukalski, y toda su colección de arte fue destruida o bombardeada, pero también por soldados alemanes. El hombre que había traído numerosas obras, se refugia en la embajada estadounidense con tres maletas en la mano y su esposa. Definitivamente es una prueba de locura para cualquier artista que crea sus obras de niño. [4]

Después de la protección de la Embajada de Estados Unidos en 1940, Szukalski y Joan se establecieron definitivamente en Los Ángeles. El desinterés de los estadounidenses, junto con el desinterés de Szukalski por unirse a la escena artística de Los Ángeles (y sus especulaciones) le dio al artista lo que él mismo llamó el infierno: el olvido. A partir de ese momento, Szukalski se quitó la vida de forma anónima en el suburbio de Los Ángeles. Ha trabajado en algunas producciones de Hollywood como pintor, ilustrador. Hizo otras esculturas como Prometeo, el gallo de los galos y Katyn. [4]

Su legado artístico se debe en gran parte al cariño y admiración de Glenn Bray, quien conoció personalmente al artista que pronto se hizo amigo y permaneció a su lado hasta su muerte en 1987.

En 1980 muere Joen su esposa y Szukalski muere en 1987. En su honor, sus amigos parten hacia Isla de Pascua, un lugar donde el artista tenía muchas ganas de visitar y creía ser la cuna de la humanidad, y esparció sus cenizas, junto con las de Joan.


Video: PER MICHELANGELO ANTONIONI